在陶艺领域，“抽象表现主义”在美国同样兴盛，最著名的自然是彼得·沃克斯（Peter Voulkos）。他的“奥蒂斯陶艺运动”将抽象表现主义与行动绘画引入工艺性的陶瓷，可无拘无束、酣畅淋漓地通过泥土来创作，泥与火开始变成一种表达自我的语言，通过泥性、装饰与火性的探讨来契合人性的展现。自由多元、质疑经典、打破重构带来美国现代陶艺的蓬勃发展。

Ryan LaBar的创作也属于抽象表现主义的脉络，他早期的陶瓷学习其实也有功能性容器的实践，在研究生期间，他在陶艺家皮特·平内尔（Pete Pinnell）的指导下学习。第一年Ryan做了很多功能性容器，导师皮特教授却要求他扔掉这些盆盆罐罐，并告诉他：“你要找到自己的语言”。这无疑是当头棒喝，正当Ryan垂头丧气地将这些容器堆叠到一起准备扔掉的时候，他发现另外一种可能——破碎的堆叠之美。2010年后，Ryan进入了“抽象表现主义”的探索。

如Ryan的Only Disconnect（2010）、Really Unusually Uncertain（2010）与Reality Showdown（2010）都是一种与过去的断裂、与那时自我的重塑。那些容器被粘连在一起，犹如破碎机械零件构成的“发动机”，运动和张力贯穿其中。容器与零件反过来交流、交织并碰撞，由这些元素组合而成一个总体形状，那是一个复杂的系统。这些工业风格的抽象雕塑有着蜿蜒的形式和细腻的色彩，密集而平衡。

走向抽象，意味着有更多的不确定性，也意味着更多想象和解释的空间。

从创作的角度讲，Ryan作品中的不确性是指他创作的元素与创作的过程。他会制作很多“零件”构成一个庞大的素材库，线条的、弯曲的、柱状的、环状的，在构成中它们可以各司其职，有连接的、也有基础支撑的，零件就如自己的碎念，而搭建这些“碎念”又是一个不确定的过程。

在开始创作之前，他会审视自己的“零件库”，尝试自发的组合，也会下意识地涂上颜色，不断地“退后一步再审视”，以确保想象中的运动和连接能够以理想的方式进行组合。过程中像是在与泥土的对话，泥土会指导手去往它想要去的方向流动，如乐队组成的装置作品一般，展现出自由自在的不确定感。

最后是烧成的不确定性，装窑时会在某些支点用各种耐火砖支撑，使得部件互锁；当受热时，通过火的幻化，釉料在窑中的流动、零件在软化和弯曲中得以重新连接。这个过程其实也是反复试验的所得，不确定的烧成也是一种造型的语言。更多控制还是更少控制，Ryan期望为偶然事件留出生长的空间。

Ryan抽象的作品最后是有多义性的，引发观者想象的，观众也成艺术家，作品的色彩与形态以及它的物质性给了观者重构的心理空间。如他为“中国白”国际陶瓷艺术大奖赛创作的作品《推动极限》，结合了拉坯和手工雕刻的方法，塑造出独特的动态雕塑。其形态如机械的发动机充满张力，零件的罗列在烧成后被重新粘结和重塑，变得富有动力与想象空间。

零件之间形成的张力像是自然生长与展开的，成为它要成为的样子，经高温后，坍塌扭曲变形，交错穿插，各种层次堆叠构建出全新的形态。窑内高温下各部分的组合如舞蹈一般，也似作曲家让管弦乐队演奏音乐。

“任何一种材料都像人一样，有无数种可能性，可以被塑造成很多非常规的样子，只要你去探索去发现。”Ryan LaBar这样解释自己的作品。

“中国白”也期待您发现自己“无限的可能性”。